¿Fue Leonardo Da Vinci homosexual?

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La mayoría de los académicos piensan que Leonardo Da Vinci era probablemente homosexual o al menos bisexual. Hay datos a favor como por ejemplo que nunca se casó o que la forma de representar a los hombres en sus obras de arte era muy femenina.

Da vinci mantuvo a su aprendiz llamado Salai y lo trataba con mucho cariño a pesar de ser un artista con menos talento. Salai se quedó en casa de Leonardo muchos años. El artista también acogió a otro estudiante, un noble que pasaría el resto de su vida con él, Francesco Melzi. Este joven fue descrito como un caballero Italiano que vivía con el maestro Da Vinci. También leonardo fue acusado de sodomía, pero finalmente le quitaron los cargos que se presentaron en su contra.
En Florencia, durante época del alto renacimiento las actividades homosexuales eran bastante comunes, aunque la sodomía era considerada pecado por la Iglésia y los procesados podían subrir graves condena si se demostraba que efectivamente la habían practicado. En cualquier caso había muchas personas conocidas como nobles, clérigos e incluso Papas que incurrían en actividades homosexuales, teniendo a chicos gays como amantes y parecía estar bien siempre y cuando no existiera la penetración como tal. Marsilio Ficino, un gran erudito amigo de Da Vinci, era conocido en su círculo como un homosexual y un sacerdote se escribía cartas de amor con él.

Su relación homosexual platónica con Da Vinci en su época de estudiante no era un secreto, aunque nunca fue procesado, probablemente debido a la protección de los Medici, así como su propia reputación inmaculada. Se supone que Da Vinci, siendo un hombre joven y guapo en su juventud, podría haber al menos experimentado actividades homosexuales y tal vez incluso tener algunas relaciones formales.

Por otro lado hay gran cantidad de otros artistas que niegan su homosexualidad y el hecho de que nnunca se casó no quiere decir en absoluto que fuera gay. Botticelli no estaba casado (pero también se rumorea para ser gay).

Puede también que dibujara personajes masculinos con semblante más bien femenino, pero el estilo y el arte personal no significa nada en cuanto a la orientación sexual.
Su complacencia con Salai y con otros estudiantes podrían muy bien ser las clásicas afecciones de un padre o un hermano mayor que ejerce como la figura de un padre hacia su hijo o de un hermano hacia su hermano pequeño. Probablemente no había nada sexual entre ellos.

La sodomía se utilizaba en aquella época con frecuencia como una acusación cuando querías manchar la reputación de alguien. Una gran cantidad de personas fueron acusadas de sodomía en aquel momento y se demostró que no todo fue cierto.

Florencia era relativamente abierta a la homosexualidad en esa época y eso no quiere decir que el propio Leonardo en realidad hiciera nada en este aspecto, por lo tanto, cualquiera de las dos hipótesis puede ser perfectamente válida.

En cualquier caso éste es solo un artículo para saciar la curiosidad de ciertas personas y en ningún momento se está juzgando al artista por su condición sexual, fuera o no gay, sus obras y su legado están ahí y debemos estarle eternamente agradecidos porque gracias a sus inventos conseguimos llegar hasta donde estamos ahora.

La estatua de bronce de Donatello

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Indudablemente está entre las más grandes estatuas del quattrocento y es una obra icónica de la estatua del renacimiento, estamos hablando de la escultura de bronce de David, hecha por Donatello, siendo ésta una de las interpretaciones más valientes de un tema bíblico de la historia de la estatua.

Historia

La mayor parte de los estudiosos del arte piensan que la estatua fue encargada por Cosme de Medici, que tenía una particular buena opinión de Donatello, pero en qué momento concreto se hizo no se conoce. La opinión de la mayor parte es que se hizo en la década de mil cuatrocientos cuarenta, cuando el nuevo palacio de Medici fue desarrollado y construido por el arquitecto técnico florentino Michelozzo di Bartolommeo. En todo caso, en el instante de la boda de Lorenzo el Espléndido en 1469, el bronce se situó en el centro del patio del palacio Medici en Florencia. Tras la toma del palacio Medici en 1495, y la expulsión de la familia Medici de la urbe, el David se puso en el patio del Palazzo de ella Signoria, donde se instaló en una columna de mármol.

Composición

La escultura, derretida en bronce, mide 159 centímetros. Es una ilustración de la historia bíblica que cuenta de qué manera el joven luchador judío David mató al gigante Goliat filisteo blindado en un combate, armado solo con una honda y unos guijarros, que muestra a David con una sonrisa misteriosa, de pie con su pie sobre la cabeza cortada de Goliat. El joven guerrero está desnudo, salvo por el sombrero y las botas, y mantiene la espada de Goliat en su mano derecha. Aparentemente inspirado por las representaciones tradicionales de la reconocida belleza Antinoo joven, estaba entre las preferidas del emperador romano Adriano, la obra de Donatello fue la primera escultura de bronce de pie sin apoyo derretido a lo largo del Renacimiento, y el primero de los 3 Davids famosos: los otros 2 son el bronce más usual por Andrea del Verrocchio, y la conocida escultura de mármol de David por Miguel Ángel. Otras versiones incluyen el bronce por Bartolomeo Bellano y el mármol por Bernini.

Interpretaciones

Donatello se separó de las representaciones más usuales “heroicas” de David de la presentación de él desnudo, a la forma de un chico delgado y joven. Esta descripción ha desconcertado a los estudiosos a lo largo de siglos. Es verdad que las Sagradas Escrituras afirman que David era un bello joven, y debía haber ido a la batalla sin nada de ropa. Mas si esto es cierto, ¿por qué razón está utilizando un sombrero y las botas?, ¿y por qué representa una pose afeminada, con el énfasis en la parte baja del estómago? Estos atributos son completamente superfluos, así sea en concepto de la narrativa bíblica o bien en convenciones tradicionales. Pese a todo, Miguel Ángel, también representa a David sin ropa, mas era una figura considerablemente más masculina.

Ciertos historiadores del arte han sugerido que Donatello estaba expresando un punto de vista gay por medio de su estatua, mas esto no parece muy probable. En el instante que la escultura fue hecha, este vicio era ilegal, y cerca de quince personas habían sido sometidas a juicio por esta razón. Por tanto, hacer alarde de semejante desviación sería muy peligroso, tanto para el escultor como para el patrón. Por contra, otros especialistas piensan que Donatello estaba señalando que solo con la ayuda de Dios podía el pequeño enano haber vencido a un contrincante horrible, como Goliat. No obstante, otros piensan que la escultura es una alegoría de las virtudes civiles de superación de la bestialidad y la irracionalidad. La única cosa que los críticos de arte están conformes es en que Donatello creó los más revolucionarios desnudos masculinos en la historia del arte .

No hay registro de cualquier reacción moderna a la escultura, si bien el hecho de que no se puso dentro del municipio ciudadano, tras la expulsión de los Medici, sugiere que podría haber sido objeto de polémica.

Merece la pena comentar que ciertos críticos han interpretado ciertos elementos de la escultura (la pluma en el casco de Goliat, el sombrero de David) en el sentido de que la figura representada no es David, es el Dios heleno Hermes (Mercurio romano). No obstante, todas y cada una de las referencias del primer Renacimiento (1490) la identifican meridianamente como la estatua como David.

El arte moderno

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Los nombres de ciertos periodos de la historia del arte pueden crear confusión. Consideremos el término “arte moderno.” Los historiadores del arte han observado que los artistas de temporadas precedentes se perciben a sí mismos como modernos. Los humanistas del Renacimiento creían que eran revolucionarios en el siglo quince. El arte moderno se refiere al arte creado más o menos entre 1867 y 1975. Los movimientos primordiales incluidos son el impresionismo, el cubismo, el surrealismo, el expresionismo abstracto, y el arte pop. A los ojos humanos, las piezas modernas reflejan el cambio, incluyendo cambios tecnológicos, sociales, científicos y políticos. Este periodo asimismo incluyó la aparición de los actuales gobiernos modernos.

La impresión de Claude Monet – salida del sol (1867) fue la pintura que marcó el comienzo del impresionismo y el modernismo. A lo largo de 2 décadas, los pintores franceses y otros artistas estudiaron los cambios de luz y la forma conforme se crea un paisaje o bien de otra escena. En una obra de Cezanne Olympia moderno, el observador ve otro ejemplo de de qué manera el arte moderno descuidada el realismo y el naturalismo en las fronteras entre las formas incompletas. Una mujer desnuda se apoya en una franja de nubes en una composición muy terrenal.

A principios de la década de mil novecientos, los cubistas y surrealistas, entre ellos Picasso, Braque, Dalí y Miró, prosiguieron la progresión de cara al arte abstracto. Por servirnos de un ejemplo, Pablo Picasso, entre los creadores del cubismo, probó de qué manera la geometría puede expresar la profundidad de formas como el cuerpo femenino y las cortinas en la danza de los Velos (desnuda con cortinas) en mil novecientos siete. En el instante en el que Georgia O’Keeffe pintó “Blue verde y Música “en mil novecientos diecinueve, los artistas estadounidenses reflejaron y entendieron la repercusión del cubismo y el surrealismo. En el azul-verde, O’Keeffe usa un estilo curvilíneo con reminiscencia del cubismo en una obra que rompe con el movimiento y la emoción utilizando tonos de azul y verde. Su pintura asimismo muestra que las líneas fuertes se usan en el arte moderno cuando sea preciso para expresar un término o bien una visión artística.

Después, en el siglo veinte, artistas como Jackson Pollock pintaron con un nuevo estilo sensible en el expresionismo abstracto. En uno: Número treinta y uno, mil novecientos cincuenta, Pollock empleó la técnica de salpicaduras de pintura con acrílico para crear una composición abstracta vívida de blanco, negro, gris y cobrizo sobre cuadro. Conforme entramos en los EE.UU. la década de mil novecientos sesenta, Andy Warhol encarna la naturaleza plástica de la cultura popular con el arte comercial. Empleó renombrado celebridades y artículos comerciales como latas de sopa Campbell para crear un tipo de arte que refleja perfectamente su tiempo.

Durante el Arte Moderno, el observador puede meditar sobre lo que se considera el cambio por el artista para ser esencial. Al tiempo que esta observación es cierta sobre muchos periodos, el Arte Moderno muestra una fuerte conciencia de cambio. Al explorar el Arte Moderno, rememoramos cuánto se ha alterado verdaderamente en cien años. Si se pudiese expresar el impacto de Internet actualmente en una obra de arte, sin duda se aprovecharía en el término de modernismo.